Iván Argote (1983), es un artista colombiano cuya obra desafía las estructuras de poder, cuestionando la memoria colectiva, las dinámicas del espacio público y las narrativas que nos definen como sociedad. Desde esculturas hasta instalaciones y performances, su trabajo se mueve entre lo político y lo poético, conjugando en su lenguaje visual el humor y la crítica. Como plantea el filósofo Félix Duque en su texto Arte público y espacio político, el arte en el espacio público puede operar como un acto de resistencia, rompiendo la cotidianidad y generando nuevas formas de habitar y pensar lo colectivo. Así, Iván Argote se inscribe en esta tradición al transformar los espacios en terrenos de diálogo, debate, memoria y subversión.

Iván Argote (1983) is a Colombian artist whose work challenges structures of power, questioning collective memory, the dynamics of public space, and the narratives that define us as a society. From sculptures to installations and performances, his work navigates between the political and the poetic, blending humor and critique within his visual language. As philosopher Félix Duque argues in his text Public Art and Political Space, art in public spaces can act as a form of resistance, disrupting everyday life and generating new ways of inhabiting and reflecting on the collective. Iván Argote aligns himself with this tradition, transforming spaces into arenas for dialogue, debate, memory, and subversion.

Como ejemplo de lo anterior, podemos nombrar su obra “Dinosaur” (2024), una escultura monumental de una paloma hiperrealista instalada en el High Line Plinth de Nueva York. A través de este gesto disruptivo, Argote confronta al espectador con una dualidad poderosa: la fragilidad y la resistencia como símbolos de nuestra humanidad. Del mismo modo, en la Bienal de Venecia presentó “Descanso” 2024, una intervención en los jardines de la bienal donde el acto contemplativo se convierte en un espacio de resistencia silenciosa, recordándonos que el descanso también puede ser un gesto político frente a las exigencias del mundo contemporáneo. Así, como bien señala el artista, “Descanso” es un anti-monumento que nos invita a reflexionar sobre un cambio de paradigma. La instalación se concibe como un territorio de descanso de este legado colonial y violento, una invitación a dejar atrás heroísmos anacrónicos que celebran la violencia ejercida sobre diferentes pueblos, y a dar paso a la vida y a una nueva era más en armonía con otros y con la naturaleza.

As an example of the above, we can mention his work “Dinosaur” (2024), a monumental sculpture of a hyper-realistic dove installed at the High Line Plinth in New York. Through this disruptive gesture, Argote confronts the viewer with a powerful duality: fragility and resilience as symbols of our shared humanity. Similarly, at the Venice Biennale, he presented “Descanso” (2024), an intervention in the gardens of the Biennale where the contemplative act becomes a space of silent resistance, reminding us that rest can also be a political gesture in the face of the demands of the contemporary world. As the artist aptly states, “Descans” is an anti-monument that invites us to reflect on a paradigm shift. The installation is conceived as a space for resting from the colonial and violent legacy—a call to leave behind anachronistic heroism that celebrates violence inflicted upon various peoples and to make way for life and a new era in greater harmony with others and with nature.

El artista, cuya obra ha recorrido instituciones como el Guggenheim de Nueva York, el Palais de Tokyo en París y la Tate Modern en Londres, encarna el potencial del arte público para generar una dislocación en la mirada. Como señala Duque, el arte en el espacio público no solo interviene físicamente, sino que “despierta una conciencia de lo común” en quienes lo transitan. En este sentido, su trabajo no busca imponer respuestas, sino abrir preguntas: ¿Cómo nos relacionamos con nuestra memoria y nuestro entorno? ¿Qué significa resistir desde lo cotidiano?

The artist, whose work has been showcased in institutions such as the Guggenheim in New York, the Palais de Tokyo in Paris, and the Tate Modern in London, embodies the potential of public art to provoke a shift in perception. As Duque points out, art in public spaces does not only intervene physically, but also ‘awakens a sense of the common’ in those who traverse it. In this sense, his work does not aim to impose answers, but rather to pose questions: How do we relate to our memory and our environment? What does it mean to resist through the everyday?

EXCLAMA se comunicó con el artista y pudo preguntarle sobre su proceso creativo y algunas obras destacadas:

Tus obras suelen abordar temas como la memoria, la historia y las estructuras de poder. ¿Cómo equilibras el aspecto conceptual con la experiencia estética en tu trabajo?

Creo que no existe una disociación entre forma, materia e idea. Es como el cuerpo, el cuerpo es un fluido que piensa, pesa, se mueve, imagina, siente, tiene volumen y percibe, todo al mismo tiempo. Dentro de mi práctica siento que hay dos caminos, de un lado propongo alteraciones a objetos y símbolos existentes, de otro lado propongo dispositivos, estructuras y lugares de encuentro. Un tercer espacio es la escritura que creo, es un poco el corazón, es la traducción a lenguaje de ideas físicas, sentimentales y políticas. Pienso que, en términos generales, hay una presencia de objetos duros, en piedra, concreto, bronce, acero, que se suavizan, que se ablandan, se mueven. Me interesa crear ese momento de dulzura en medio de un mundo rígido y sólido.

EXCLAMA contacted the artist and had the opportunity to ask him about his creative process and some of his most notable works:

Your works often address themes such as memory, history, and power structures. How do you balance the conceptual aspect with the aesthetic experience in your work?
I believe there is no disassociation between form, matter, and idea. It’s like the body— the body is a fluid that thinks, weighs, moves, imagines, feels, has volume, and perceives, all at once. In my practice, I feel that there are two paths: on one hand, I propose alterations to existing objects and symbols; on the other, I propose devices, structures, and places of encounter. A third space is writing, which I believe is a bit of the heart, the translation into language of physical, sentimental, and political ideas. I think that, in general terms, there is a presence of hard objects—stone, concrete, bronze, steel—that are softened, that are softened, they move. I am interested in creating that moment of sweetness in the midst of a rigid and solid world.

“Dinosaur” (2024) y “Descanso”, parecen invitar a una interacción entre lo monumental y lo cotidiano. ¿Cómo eliges los símbolos y materiales para transmitir estas tensiones en tus obras?

Los símbolos están ahí presentes todo el tiempo. Creo que lo que nos pasa es que no los vemos más, porque tenemos que resolver nuestro día a día. Creo que la paloma es un ícono omnipresente en nuestra historia y cotidiano, nos ha acompañado en esta locura civilizacional, ha sido símbolo de culto, animal de compañía, pero también militar, de comunicación y guerra. Es considerado como una peste también. Siento que la escultura es un monumento a los indeseados, a los invisibilizados. Es también una especie de atracción, tiene humor y carisma. En el fondo pienso que esta obra es una gran pregunta sobre la empatía.

“Dinosaur» (2024) and “Descanso” seem to invite an interaction between the monumental and the everyday. How do you choose the symbols and materials to convey these tensions in your works?

The symbols are always present. I think what happens is that we no longer see them, because we have to solve our day-to-day lives. I believe the dove is an omnipresent icon in our history and daily life, it has accompanied us through this civilizational madness, it has been a symbol of worship, a companion animal, but also military, of communication and war. It is also considered a plague. I feel that the sculpture is a monument to the undesirables, to the invisibilized. It is also a kind of attraction, it has humor and charisma. Deep down, I think this work is a big question about empathy.”

Tus proyectos han alcanzado escenarios globales como el High Line Plinth y la Bienal de Venecia. ¿Qué ha significado para ti trabajar en estos contextos internacionales?

Ha sido sobre todo un gran aprendizaje. Estos proyectos vienen acompañados de complejidades técnicas y presupuestales, implican mucho esfuerzo, tanto en lo mental, escrito como en lo material y logístico. Una vez abiertos al público hay una gran curiosidad en conocer la reacción, algo puede uno intuir, pero siempre las reacciones van más allá de lo imaginado. Simbólicamente es un orgullo global, siento que esa lindas oportunidades y logros son un esfuerzo colectivo, de mis equipos, de mi pareja e hijo que me acompañan, de mi familia que me educó con pensamiento político y artístico, de mis profesoras y profesores de escuela, colegio y universidad. De mis tías, tíos y mis abuelos campesinos. Esas obras son también una extensión de todas esas manos arando caminos.

Your projects have reached global platforms like the High Line Plinth and the Venice Biennale. What has it meant for you to work in these international contexts?

It has been, above all, a great learning experience. These projects come with technical and budgetary complexities, and they require a lot of effort, both mentally, in writing, and materially and logistically. Once opened to the public, there is great curiosity to know the reactions—one can intuit something, but reactions always go beyond what was imagined. Symbolically, it is a global pride. I feel that these beautiful opportunities and achievements are a collective effort, from my teams, my partner and child who accompany me, my family who educated me with political and artistic thought, my teachers from school, high school, and university. From my aunts, uncles, and my peasant grandparents. These works are also an extension of all those hands plowing paths.