[…] tal como el polvo se aproxima a las cosas, lo hacen las palabras; así el lenguaje encubre la realidad. Polvo, de Blanca Morel

“Polvo eres y en polvo te convertirás”, dice el Génesis (3:19).” Una frase que conmocionó a la hija de la artista María Elvira Escallón (Londres, 1954), quien la escuchó durante la primaria mientras un sacerdote dibujaba una cruz de ceniza con el dedo en la frente de los estudiantes. Desde un punto de vista conceptual, podemos decir que la frase ha sido el lugar de partida de muchos de sus trabajos; y más allá del dogma, es una premisa que habla de nuestra impermanencia, volatilidad y fragilidad en esta tierra.  María Elvira Escallón se ha dedicado por años a realizar investigaciones de larga duración, donde el tiempo es también otro elemento subyacente en su trabajo (en tanto que profundo). Con él, realiza obras desde la escultura, la fotografía y la instalación, en las cuales se presentan diálogos y tensiones entre la cultura y la naturaleza, la ruina y las políticas de la ruina como deriva del desgaste, y el abandono causado por factores económicos y políticos, que también tienen sus relatos en el conflicto armado; todo ello, por supuesto, alineado con los conceptos de la memoria y el olvido.

“Dust you are and to dust you will return,” says Genesis (3:19). This phrase shocked the daughter of the artist María Elvira Escallón (London, 1954), who heard it in primary school as a priest drew a cross of ash on the students’ foreheads with his finger. From a conceptual point of view, we can say that this phrase has been the starting point for many of her works; and beyond dogma, it is a premise that speaks of our impermanence, volatility, and fragility on this earth. María Elvira Escallón has dedicated years to long-term research, where time is also another underlying element in her work (as it is profound). With it, she creates works in sculpture, photography, and installation, in which dialogues and tensions between culture and nature, ruin and the politics of ruin as a consequence of decay, and the abandonment caused by economic and political factors, which also have their narratives in the armed conflict, are presented; all of this, of course, aligned with the concepts of memory and forgetfulness.

En esta ocasión, el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU) presenta una exposición antológica de la artista que abarca una línea temporal desde 1997 hasta el presente titulada: “María Elvira Escallón: Encuentro en la fábrica de polvo”, donde se incluyen nueve obras entre instalaciones y video instalaciones, así como proyectos de sitio específico. Proyectos donde la artista se ha involucrado comprometidamente desde el trabajo de campo con entrevistas y exploraciones del contexto, con el propósito de desarrollar un trabajo coherente con los modos de producción que requieren sus investigaciones.

On this occasion, The Miguel Urrutia Art Museum (MAMU) presents a retrospective exhibition of the artist titled “María Elvira Escallón: Encounter in the Dust Factory,” spanning a timeline from 1997 to the present. It includes nine works among installations and video installations, as well as site-specific projects. In these projects, the artist has been deeply involved from fieldwork with interviews and contextual explorations, with the purpose of developing work consistent with the production methods required by her research.

La muestra inicia en el segundo piso del museo y finaliza en El Parqueadero, con la instalación más completa que se ha realizado de la obra “Pequeño Museo del Aerolito de Santa Rosa de Viterbo”, en un recorrido tejido desde seis ejes interconectados, propuestos desde la curaduría realizada por Ana María Lozano, que se “contaminan” entre sí. Estos ejes son: En la fábrica de polvo, Ante el tiempo, Nuevas floras, Explorando parentescos, Del otro lado y Pequeño Museo del Aerolito de Santa Rosa de Viterbo.

The exhibition begins on the second floor of the museum and concludes at El Parqueadero with the most comprehensive installation ever done of the work Small Museum of the Santa Rosa de Viterbo Aerolite, in a tour woven from six interconnected axes, proposed by the curatorship of Ana María Lozano, which “contaminate” each other. These axes are: In the Dust Factory, Before Time, New Floras, Exploring Kinships, From the Other Side, and Small Museum of the Santa Rosa de Viterbo Aerolite.

EXCLAMA conversó con María Elvira; y ella, tanto como la curadora Ana María Lozano, nos cuentan cómo fue el proceso de desarrollo de esta poética exposición en el MAMU que estará abierta al público hasta el 25 de enero del 2025:  

Puedes contarnos un poco, ¿cómo inició el proceso de la exposición? ¿En qué pensaste cuando supiste que tendrías esta importante muestra que reúne tu trabajo en el MAMU?

María Elvira Escallón: Hace varios años, pensamos en esa posibilidad con Carmen María Jaramillo. Después el director de artes del Banco de la República, que la sucedió, me contactó y me sugirió ir pensando en realizar una retrospectiva en el MAMU. Nicolás Gómez, uno de los curadores del MAMU en ese entonces, fue la persona que acompañó inicialmente este proyecto, que se materializó años después, en el 2021, cuando la directora de Departamento era María Wills. La Propuesta que se hace posteriormente al comité del Banco debe presentarla un curador/a con amplia experiencia, entonces alguien que conocía muy bien mi trabajo, con quien tengo gran afinidad personal, que tiene una receptividad y disponibilidad de diálogo permanente y una enorme capacidad de trabajo para llevar a cabo esta tarea, era Ana María Lozano. Con ella elaboramos la propuesta que se pasó al Banco de la República.

Sentimos ansiedad de pensar en el trabajo tan fuerte y a la vez tan significativo que nos esperaba, porque son bien complejas y a la vez delicadas las instalaciones. Sobre la segunda pregunta, sentí alegría de tener este reconocimiento que supone poder montar en un museo como el MAMU, varias de las principales obras producidas en los últimos años, sabiendo que contábamos con un curador interno Luis Fernando Ramírez, artista e instalador excelente, una museografía muy experta, la capacidad de divulgación y manejo de públicos del Museo, el catálogo. Ver esas obras juntas en el espacio, generando conexiones entre sí, es una experiencia especial. Estas obras, se han expuesto cada una independientemente y en el único espacio donde han estado todas juntas es en el portafolio digital.

EXCLAMA, talked with María Elvira; she, along with curator Ana María Lozano, shared with us how the development process of this poetic exhibition at the MAMU, which will be open to the public until January 25, 2025:

Could you tell us a bit about how the exhibition process began? What did you think when you learned that you would have this important exhibition that brings together your work at the MAMU?

María Elvira Escallón: Several years ago, we considered this possibility with Carmen María Jaramillo. Later, the director of arts at the Banco de la República, who succeeded her contacted me and suggested I start thinking about organizing a retrospective at the MAMU. Nicolás Gómez, one of the curators at MAMU at that time, was the person who initially accompanied this project, which materialized years later in 2021, when the department director was María Wills. The proposal to the Banco committee must be presented by a curator with extensive experience. So, someone who knew my work very well, with whom I have great personal affinity, who has a receptiveness and availability for constant dialogue, and an enormous capacity for work to carry out this task, was Ana María Lozano. We developed the proposal together, which was then submitted to the Banco de la República.

We felt anxious thinking about the challenging and significant work ahead, as the installations are very complex and delicate. Regarding your second question, I felt joy at receiving this recognition, which implies being able to showcase several of the main works produced in recent years at a museum like the MAMU. Knowing that we had an internal curator, Luis Fernando Ramírez, an excellent artist and installer, a highly skilled museography team, the museum’s capacity for dissemination and public engagement, and the catalog, all contributed to this. Seeing these works together in the space, generating connections among themselves, is a special experience. These works have each been exhibited independently, and the only place they have all been together is in the digital portfolio.

Ésta es una exposición bastante significativa, porque nos presenta un cuerpo de trabajo importante donde vemos una variedad de medios y exploraciones formales que has desarrollado a lo largo de tu trayectoria ¿Hay algún proyecto que haya marcado tu trayectoria hasta ahora, o una obra con la que tengas una conexión más a profundidad?

María Elvira Escallón: Es una pregunta bien clave y no podría hablar de una sola obra: Una de ellas es “In Vitro” que realicé en la Estación de La Sabana en 1997 y que es el paso de la bidimensionalidad hacia el espacio real, lo que abrirá uno de los terrenos donde más se moverá mi trabajo: la instalación In situ. Otra es la serie “Nuevas floras” que más adelante se extiende hacia la serie Encuentros, un proyecto nómade que ha estado a mi lado desde 2003: Intervenciones en árboles nativos en los cuales se inscriben modelos coloniales o barrocos, elaboradas con ayuda de talladores locales, primero en Colombia, en bosques nativos cercanos a Bogotá, después en Inglaterra, en Brasil en Rio grande do Sul en el marco de la Bienal de Mercosur en las llamadas Misiones de los Jesuitas y en otras Francia. Encuentros, busca poner en continuidad dos reinos: vegetal y animal en una misma materia. Sugiere alianzas, transmisiones de conocimiento entre seres vivos. Finalmente, y, de todos modos, la precipitaciones de arenas, obras relacionada con el pasar tiempo, con la posibilidad de generar una experiencia que nos permita situar la conciencia en ese presente que se consume y se fuga hacia el pasado. La arena va cayendo y acumulándose en una escena cada vez más difusa y polvorienta.

This is a quite significant exhibition because it presents us with an important body of work where we see a variety of media and formal explorations you have developed throughout your career. Is there any project that has marked your career so far, or a work with which you have a deeper connection?

 María Elvira Escallón: This is a very key question, and I couldn’t speak of just one work. One of them is «In Vitro,» which I created at the La Sabana Station in 1997. It represents the transition from two-dimensionality to real space, opening one of the fields where my work will move the most: In situ installation. Another is the series «New Floras,» which later extends to the series Encounters, a nomadic project that has been with me since 2003. These are interventions in native trees where colonial or baroque models are inscribed, created with the help of local carvers, first in Colombia, in native forests near Bogotá, later in England, in Brazil in Rio Grande do Sul within the framework of the Mercosur Biennial in the so-called Jesuit Missions, and others in France. Encounters seeks to put two kingdoms in continuity: plant and animal in the same matter. It suggests alliances, transmissions of knowledge between living beings. Finally, and in any case, there are the sand precipitations, works related to the passage of time, with the possibility of generating an experience that allows us to place consciousness in that present that is consumed and escapes into the past. The sand falls and accumulates in an increasingly diffuse and dusty scene.

La integración de la obra desde la museografía y el montaje tiene una presencia muy potente en la exposición ¿Puedes contarnos sobre algunos retos que hayan tenido durante el desarrollo de la muestra? 

Ana María Lozano: Una de las áreas más exigentes de montar dentro de esta muestra la obra fue “En estado de coma”. Este grupo de obras realizado entre el 2003 y el 2005 se ocupa del Hospital San Juan de Dios y de la enorme pérdida que significó para Bogotá la decisión de cerrarlo. Para lograr se “reconstruyó” en cierta medida la atmósfera del San Juan. Así, se encargó un piso que poseyera características formales sumamente parecidas a las que tiene el vinilo gris de la Torre Central del San Juan. Igualmente, se preparó un color que fuese lo más semejante posible al verde que tienen sus paredes. Finalmente, se recreó la pared curva que tenía el Museo de Bogotá cuando estaba ubicado en el Planetario Distrital pues fue allí donde se presentó este gran conjunto de obras. Allí se instalaron los 4 catres cortados que hacen parte de la serie “Extracciones”. Cada uno de estos detalles permite que el espectador cuando se aproxima, sienta un espacio inmersivo, que lo sitúa de forma física dentro de la atmósfera.

The integration of the work through the museography and installation has a very powerful presence in the exhibition. Could you tell us about some challenges you faced during the development of the exhibition?

Ana María Lozano: One of the most demanding areas to install within this exhibition was the work «In a Coma State.» This group of works, created between 2003 and 2005, deals with the San Juan de Dios Hospital and the enormous loss that the decision to close it meant for Bogotá. To achieve this, the atmosphere of San Juan was «reconstructed» to a certain extent. Thus, a floor was commissioned that had formal characteristics very similar to the gray vinyl of the Central Tower of San Juan. Similarly, a color was prepared that was as close as possible to the green of its walls. Finally, the curved wall of the Bogotá Museum was recreated, as it was when it was in the District Planetarium, since it was there that this great set of works was presented. The four cut costs that are part of the «Extractions» series were installed there. Each of these details allows the viewer to feel an immersive space that physically situates them within the atmosphere when they approach.