Cuando nos acercamos a las obras del artista Nicolás Paris (1977), encontramos que su trabajo se propone desde elementos que se conectan con el espacio y su entorno, destacando cualidades propias del arte procesual y las intervenciones site-specific; pero si prestamos más atención, entendemos que el interés que se manifiesta es llevar a cabo un proceso derivado de pensar el arte, no solo como la elaboración de piezas artísticas o el desarrollo de una técnica específica, sino como una forma de hacer escuela.

Para Nicolás Paris, es importante partir del término “escuela” que proviene del griego antiguo (skholḗ) por mediación del latín schola, que significa “tiempo libre” o “tiempo de ocio”. Bajo esta definición de escuela, se pueden entender de forma más amplia los procesos de formación, y así, por ejemplo, el tiempo puede ser utilizado para fomentar conexiones entre personas que se encuentran en un lugar o contexto determinado realizando cierta actividad, caminando por un sendero, leyendo un libro, o visitando una exposición de arte. Para el artista, los procesos de autoaprendizaje y aprendizaje son un fundamento del arte per se, es por eso por lo que en su práctica e investigación esto resulta una constante.

El artista se trasladó a los 22 años al municipio de La Macarena al sureste de Colombia, donde se desempeñó como maestro de escuela desarrollando métodos pedagógicos experimentales, desde los que inculcaba el dibujo y otras formas de comunicación visual como herramientas de expresión. En el año 2006, comenzó a introducirse en la escena artística, y desde el año 2008 ha realizado exposiciones individuales en espacios como el Laboratorio 987 del MUSAC en León-España, el Museo de Arte Moderno de Medellín, el MUAC en Ciudad de México, la Kadist Art Foundation de París, la Galería de Arte Govett-Brewster en Nueva Plymouth en Nueva Zelanda, La Caixa Forum en Barcelona y el CCB Museo Colección Berardo en Lisboa, entre otros. Así mismo, ha participado en diversos eventos y muestras colectivas como la Bienal de Mercosur (2009), Bienal de Venecia y Bienal de Lyon (2011), la Bienal de São Paulo, la Trienal del New Museum (2012), el Salón (inter) Nacional de Artistas (2008 y 2013) y la Bienal de La Habana (2015).

Sus proyectos, integrados por dibujos, objetos, videos, instalaciones y más, son la presentación formal de procesos de creación que aspiran a emprender experiencias, crear nuevos vínculos y activar otras formas de relación entre las personas y el mundo. Además, el ambiente generado en los proyectos expositivos de Paris, son ventanas al descubrimiento y autodescubrimiento, algo así como una “epistemología interior” desde el arte.

El acabado final de sus piezas en las salas de exhibición, manifiestan una mirada atenta y minuciosa, destacando la agudeza de un artista que cuestiona la arquitectura, (por ejemplo, dando lugar a lo imperceptible), y la sensibilidad de un hombre que cree que, a través del arte, podemos trabajar en lo interno, existiendo de forma más consciente con el entorno.

Nicolás Paris nos compartió más sobre sus intereses y propuestas artísticas, en una conversación con Úrsula Ochoa.

Me cuentas que desde los 22 años comenzaste un proceso donde fuiste profesor de escuela rural ¿En qué momento tomaste la decisión de encaminarte hacia estos procesos pedagógicos?

Fue una decisión de explorar mis intereses y, de alguna forma, ser responsable de mi proceso de aprendizaje. Yo estaba estudiando y dejé la academia para encontrar mi propia manera de aprender bajo la convicción de que el arte es la mejor forma de hacerlo, así que fui explorando mis intereses desde el hacer, construyendo mi propio camino y mi currículum de aprendizajes.

De alguna manera me hace pensar en que esto responde a tu necesidad de replantear las formas de educación que viste en ese momento…

Así es, yo decidí ser artista e indagar desde mi práctica en procesos pedagógicos ya que no quería repetir mi historia. No quería tomar como referencia los modelos educativos bajo los cuales había sido formado. Siento que el sistema educativo se trata de otra cosa; diferente a lo que usualmente creemos… Para mí, aprender debe tratarse de estar en un ambiente de aprendizaje para ser libre y recorrer un camino propio; poder mirar para adentro y no tanto hacia afuera. Además, creo que se debería asumir que la formación puede ir en muchas direcciones, no solo es un proceso lineal de causa y consecuencia, o uno de causa y efecto que va en busca de un objetivo.

Regularmente los procesos de aprendizaje actuales van en busca del resultado, o de la resolución específica de algún problema, algo más encaminado hacia una formación para “especializarse” en una actividad determinada; ¿podemos decir que tu propuesta como artista reflexiona sobre esto?

Sí, a mí me gusta pensar que el proceso de formación es muy diferente no solo de la humanidad sino de los ecosistemas; el aprendizaje es un proceso de crecimiento en muchas direcciones, basados incluso en el error. También, considero que el aprendizaje debe ser entendido a modo de fractal; creo que aprendemos por simpatía y que, cuando un ser aprende, todos aprendemos.

Y el arte funciona así también…

¡Eso es lo que yo creo! Por eso para mí el arte ha sido y es una herramienta con la que voy
construyendo mi propio camino. La práctica artística me ha permitido tomar desvíos siendo
responsable de mi proceso de aprendizaje. El arte es una forma de ir lento y ser consciente de que mi ritmo debe ir en diálogo con otros, no solamente con mis pares, sino también con el público y con el grupo de personas con las cuales trabajo. En ese sentido, el arte se vuelve una herramienta para estar en el entorno y permitir que este se manifieste a través de lo que yo hago.

Esto también es algo de lo que planteaste en la exposición del 2023 “Naturaleza Doméstica o un lugar para el autoaprendizaje” en la galería Mor Charpentier.

Sí, tiene que ver con eso, es una búsqueda sobre cómo entender lo doméstico, pues casualmente la galería es una casa con una arquitectura que fue construida para el habitar, entonces, si yo soy una persona que sigue aprendiendo sobre cómo ser artista, la casa también está aprendiendo a ser galería. Por tanto, este proyecto más que hacer obras de arte para justificar una exposición, es hacer una serie de intervenciones arquitectónicas, entrar en diálogo con el lugar para que la casa se manifieste y se siga transformando.

¿Podríamos definir el concepto de lo doméstico?

Lo doméstico es el lugar donde llevamos a cabo nuestro proceso de autoaprendizaje y auto
dedicación, es donde organizamos todo lo que nos agrada, lo que nos llama la atención, y el desorden. No solo lo organizamos en la casa sino también en nuestro interior lo organizamos, lo categorizamos, lo clasificamos según nuestro estado de ánimo. Así, insisto en que lo doméstico no es solamente la casa como infraestructura, sino también lo doméstico como estructura, como una serie de renglones, cuadrículas y lugares donde nos auto verificamos poco a poco.

Tu trabajo además presenta una relación con la naturaleza, y esto también se manifiesta en esas intervenciones arquitectónicas.

Sí, esas intervenciones arquitectónicas son rastros de otros espacios domésticos, pero no solo de casas de personas, sino también casas de insectos, de pájaros, de minerales. Por ejemplo, hay muchas piezas que son hechas con madera que perteneció a espacios domésticos de personas, pero antes de eso fue material de un árbol que fue un espacio o una habitación para un pájaro, un insecto, para el viento, para los cambios de las estaciones y formó parte de un bosque que, haciendo el paralelo, pudo ser todo un barrio mucho más grande…

Tienes una pieza muy poética y es precisamente “Arquitectura Doméstica: Buda, 2016-2023”. Me gustaría que nos contaras más sobre esta pieza.

Desde el año 2016 comencé a recoger materiales de casas que iban demoliendo, eran maderas de otras habitaciones, como había comentado. Entonces, la instalación es un collage de muchos espacios domésticos, es una pieza que articula la exposición haciendo referencia a una arquitectura que está levitando, que no deja huella, que no aspira al rastro y por eso se llama “Arquitectura Doméstica; Buda”. En la pieza se pueden ver una constelación de canicas, le sigue un paisaje muy sintético que contiene dos pirámides circulares, luego hay una rama que hace referencia a esto que te digo sobre el bosque y, al final, está el estropajo que es también un objeto doméstico y aparece como una “glándula pineal”, como ese tercer ojo. Si se ve un poco más arriba, está raspado ese mismo metro cuadrado, así se conecta esta pieza con el resto de la casa. Por lo tanto, más que crear una presencia es como “construir vacíos”.

La naturaleza de tu trabajo es muy procesual y pensada desde la conexión con el entorno entendiéndolo como un tercer maestro. Me inquieta la relación de tu trabajo, con la forma como usualmente se da el intercambio en el arte ¿Crees que hay otras maneras de entender las transacciones?

En cierto sentido produzco muy poco porque a lo que más le dedico tiempo es a hacer talleres. Para mí, el taller es un soporte o un medio, así que estar con un grupo de personas para intercambiar reflexiones es lo que más hago. Gracias a ser un poco obstinado con este tipo de producción, me siento satisfecho porque he podido encontrar la cadencia de mi proceso de aprendizaje y las formas para compartirlo. El arte es una herramienta que crea economías poéticas. Creo yo que se trata siempre de actuar desde el dialogo, encontrar posibilidades y crear vínculos más que de hacer proyectos. Me gusta pensar que la retribución la recibí hace tiempo, así lo que trato de hacer con mi trabajo y las exposiciones es hacer una ofrenda, esa idea me hace libre.

 

Úrsula Ochoa
Editor EXCLAMA

En su formación como artista ha realizado estudios en Historia y Teoría del arte del siglo XVIII; Periodismo cultural y crítica de arte, al igual que análisis de la imagen a partir del pensamiento Estético en Friedrich Nietzsche y Aby Warburg. Ha trabajado como crítica de arte en la sesión Palabra y Obra del periódico El Mundo. Ha escrito para la Revista Artishock y colabora con la sesión de cultura de El Espectador. Instagram: @ursula8a

Las opiniones expresadas son sólo responsabilidad de sus autores y son completamente independientes de la postura y la línea editorial de EXCLAMA.