En mayo de 2021, el Whitney Museum y el Hudson River Park, celebraron la finalización de Day’s End, la obra pública de David Hammons para la ciudad de New York. © David Hammons. Foto: Timothy Schenck
Después de un año en el cual los espacios culturales neoyorquinos tuvieron que sortear las restricciones de salud pública para controlar la pandemia y se enfrentaron al cierre de sus instalaciones y la cancelación de eventos de asistencia masiva; han regresado los espacios para el encuentro y la posibilidad de retomar experiencias que nos permitan recuperar algo del sentido de posibilidad. Esta guía de arte para el verano contiene una selección de algunas de las mejores exposiciones de arte contemporáneo que podrán encontrar en la ciudad, desde colectivas con un profundo sentido crítico, retrospectivas individuales de artistas maravillosos, reflexiones políticas del material, hasta espectáculos inmersivos a gran escala. Porque, un verano contemporáneo en Nueva York, claro.
DAY´S END: David Hammons
David Hammons, Day’s End, 2014–21. © David Hammons. Foto: Matthew Carasella
Day’s End (2014-21) es una instalación pública permanente de David Hammons en el paseo marítimo del Hudson River Park, junto al Whitney Museum. En 1975, Gordon Matta-Clark (1943-78) cortó cinco aberturas en el cobertizo del Muelle 52 para realizar su pieza Day´s End. La obra de Hammons es un homenaje a esta intervención, una estructura abierta que sigue con precisión los contornos, las dimensiones y la ubicación del edificio original, ahora convertido en escultura monumental. Aunque el Whitney guió la producción desde la recaudación de fondos hasta su apertura, esta obra es de los habitantes de New York, y fue pensada como un espacio comunitario, un lugar para reactivar el barrio y una experiencia efímera que aparece y se desvanece con la luz del día.
Más información: Day´s End
NEW MUSEUM: Grief and Grievance: Art and Mourning in America
Vista de la Exhibición “Grief and Grievance: Art and Mourning in America” (2021). New Museum, New York. Foto: Dario Lasagni
Grief and Grievance es una exposición intergeneracional concebida originalmente por Okwui Enwezor (1963-2019) para el New Museum. Reúne a treinta y siete artistas que trabajan en diversos medios y que han abordado el concepto de duelo, conmemoración y pérdida como respuesta directa a la violencia racista experimentada por las comunidades negras en toda América. La muestra examina además los fenómenos entrelazados del duelo negro y el agravio blanco orquestado políticamente, y cómo ambos estructuran y definen la vida social y política estadounidense contemporánea. Grief and Grievance incluye obras en vídeo, pintura, escultura, instalación, fotografía, sonido y performance realizadas en la última década, además de varias obras históricas clave y comisiones creadas para la exposición.
¿Hasta cuándo? Junio 6 de 2021
Más información: New Museum
JAMES COHAN: Eamon Ore-Giron “The Symmetry of Tears”
Eamon Ore-Giron, Infinite Regress LXXXIV, 2019. Cortesía James Cohan Gallery, New York
En The Symmetry of Tears, Ore-Giron (1973) presenta pinturas en gran formato de su serie Infinite Regress, la cual continúa ampliando su constante investigación sobre la abstracción, la multiplicidad y la simultaneidad. En su práctica, el artista conecta de pintura, música y vídeo, y sintetiza historias para explorar las posibilidades visuales, auditivas y experienciales de la influencia transcultural. La exposición está acompañada por dos temas musicales: «Past Yesterday», creada por el artista y su colaborador desde hace mucho tiempo, Christopher Avitabile, y «Fuego Lento», un tema inédito del archivo del artista. Ambas, concebidas como elementos por separado, son también complementos de las pinturas y de la experiencia expositiva.
¿Hasta cuándo? Junio 6 de 2021
Más información: James Cohan
MARIAN GOODMAN: Nan Goldin, Memory Lost
Nan Goldin, Memory Lost, Video, 2019-2021. Cortesía Marian Goodman Gallery
Aunque reconoce las lagunas en su propia comprensión del lenguaje actual en relación a la identidad de género, Nan Goldin (1953) cree en la importancia de llevar estas imágenes a la conciencia pública. “Es importante que sepan que no están solos y que conozcan cómo han llegado hasta aquí» dice. La exhibición es conmovedora, importante y consta de varios momentos. El primero es Memory Lost (2019-2021), donde relata a través de imágenes de archivo íntimas y personales, una reflexión sobre la memoria y la oscuridad de la adicción. Sirens (2019-2020), la primera obra de Goldin realizada íntegramente a partir de metraje encontrado y acompañada de música de Mica Levi. Una serie de grandes cielos y paisajes tomados en los últimos treinta años durante sus viajes por el mundo, y The Other Side (1993-2021), libro homenaje a los amigos transexuales de la artista a quienes fotografió desde 1972 hasta 2010. «Mi sueño desde que era una niña era el de un mundo donde el género y la sexualidad fueran completamente fluidos, y se ha hecho realidad… Lo invisible se ha hecho visible».
¿Hasta cuándo? Junio 12 de 2021
Más información: Marian Goodman
LISSON GALLERY: Pedro Reyes: Tlali
Pedro Reyes, Tlali (2021). © Pedro Reyes. Cortesía Lisson Gallery
Pedro Reyes (1971) expone una nueva serie de catorce esculturas de piedra tallada y once dibujos de amate sobre papel. Derivado de la lengua azteca náhuatl, Tlali (Traducido como «Tierra»), habla también sobre América, ese nombre que tiene su origen en el conquistador Américo Vespucio, responsable de la esclavización y muerte de innumerables comunidades indígenas, y también el nombre que ha tomado Estados Unidos como suyo. Reyes propone entonces usar Tlali como un nombre alternativo, impoluto y alegórico para el continente. Las obras monumentales sobre papel amate hecho a mano, sirven como índice de símbolos y patrones que reflejan la etnología precolombina; las esculturas de piedra, reimaginadas como tótems, se relacionan con las construcciones de las culturas mesoamericanas maya, olmeca, tolteca y mexica.
¿Hasta cuándo? Junio 18 de 2021
Más información: Lisson Gallery
SEAN KELLY: José Dávila, in The Circularity of Desire
José Dávila, The astonishing walking achievements of human beings (2021). © José Dávila. Cortesía de Sean Kelly
«Me interesa el círculo como la más platónica de las formas, pues es también el elemento simbólico del progreso humano» dice José Dávila (1974) sobre su más reciente exposición en Sean Kelly. Los lienzos expuestos en la galería principal, construidos con serigrafía y pintura vinílica sobre lino crudo, contienen textos sobre el uso de la luz como herramienta de composición, más yuxtaposiciones de elementos circulares recontextualizados de pinturas de artistas como Hans Arp, Willys de Castro, Sonia Delaunay y Frank Stella. Hay temas que prevalecen constantemente en su práctica; la articulación visual de la fuerza de gravedad a través de un equilibrio precario, y las referencias históricas del arte que se amplían mediante la incorporación de la idea de circularidad.
¿Hasta cuándo? Junio 19 de 2021
Más información: Sean Kelly
NAHMAD CONTEMPORARY: David Hammons: Basketball & Kool-Aid
David Hammons, Untitled (Basketball Drawing), 2006-7. ©️ David Hammons. Cortesía Nahmad Contemporary
Basketball & Kool-Aid está dedicada a dos series radicales de obras que el artista estadounidense creó entre 1995 y 2012, y en las cuales empleó métodos no convencionales para crear composiciones abstractas con una reflexión importante sobre el material y sus usos (que nos recuerda el Arte Povera). Desde lo efímero de la vida cotidiana, David Hammons (1943) explora los subtextos culturales y sociales inherentes a las imágenes, los objetos y el lenguaje. El hilo conductor entre estas dos series es la investigación de los estereotipos, los prejuicios y las identidades raciales en Estados Unidos; la trascendencia social y monetaria que para las comunidades marginadas tienen fenómenos deportivos como el basketball o los productos de consumo masivo. Por supuesto, en su obra hay una profunda representación de las inquietudes sobre la experiencia y la cultura de lo que significa ser negro en norteamérica.
¿Hasta cuándo? Junio 25 de 2021
Más información: Nahmad Contemporary
PACE GALLERY: Yin Xiuzhen: Along the Way
Yin Xiuzhen, Wall Instrument No. 25, 2021. © Yin Xiuzhen
“Cuando los objetos cotidianos se utilizan en la vida diaria, se magnifica su naturaleza práctica, pero se pasa por alto su naturaleza espiritual. Cuando se llevan al arte como lenguaje, su naturaleza espiritual se magnifica”. Dice la artista china Yin Xiuzhen (1963), pionera del performance, la escultura y la instalación desde principios de la década de 1990. La muestra en PACE cuenta con alrededor de 20 obras e instalaciones en porcelana, cemento y tela que funcionan como depósitos de memoria cultural. Es amplia en una sensibilidad e intuición que captura tanto el cambio que se produjo en China a finales del siglo XX, como la interacción entre la globalización y la tradición local, y esa particular relación de la historia personal con la experiencia colectiva que puede trazarse a través de los objetos cotidianos.
¿Hasta cuándo? Junio 26 de 2021
Más información: Pace
DAVID ZWIRNER: Carol Bove, Chimes at Midnight y Collage Sculptures
Carol Bove, Chimes at Midnight VII, 2021. Cortesía David Zwirner
David Zwirner presenta dos exposiciones simultáneas de Carol Bove (1971), una de las artistas contemporáneas más destacadas de la actualidad. En ambas locaciones presenta obras individuales que se relacionan entre sí formal y cromáticamente, para envolver al espectador en una presentación inmersiva que considera la experiencia fenomenológica de la forma y el espacio circundante. Sobre los materiales de sus esculturas dice Bove: «pensamos que el acero inoxidable es duro y fuerte, y me pregunto si realmente es así. ¿Existe una forma suave y persistente de actuar sobre él para que se comporte diferente? ¿Se le puede engañar para que muestre otra cara?. Lo que sabemos sobre el material se contradice, así que quizá nuestro control de la realidad también debería ser un poco más ligero, permitiéndonos ver lo que tenemos delante y no aquello que creemos ver».
¿Hasta cuándo? Julio de 2021
Más información: David Zwirner
BROOKLYN MUSEUM: Lorraine O’Grady: Both/And
Art Is . . . (Girl Pointing) (1983/2009), Lorraine O’Grady. Cortesía Alexander Gray Associates, New York. © Lorraine O’Grady/Artists Rights Society (ARS), New York
La primera retrospectiva de una de las figuras contemporáneas más significativas del performance, el arte conceptual y el arte feminista norteamericano. Lorraine O’Grady (1934), presenta doce de sus principales proyectos desarrollados a lo largo de cuatro décadas de carrera. Su trabajo de revisionismo radical desafía los enunciados fijos sobre el yo y el otro, el aquí y el allá, el ahora y el entonces. La artista habla de su propia experiencia como persona marcada por la hibridación racial y a través de su exploración de los legados de interconexión cultural e influencias recíprocas, arroja luz sobre las formas en que la negritud siempre ha existido en el corazón del modernismo occidental, hablando también de las omisiones históricas del arte y los fallos institucionales relacionados con aquellos que han sido excluidos del canon artístico.
¿Hasta cuándo? Julio 18 de 2021
Más información: Brooklyn Museum
HOUSE & WIRTH: Tetsumi Kudo, Metamorphosis
Tetsumi Kudo, La Liberté de l´étalon (1972-1977). Cortesía House & Wirth, New York. © Tetsumi Kudo/Artists Rights Society (ARS), ADGP Paris. Cortesía de Hiroki Kudo. Foto: Pierre LeHors
Metamorphosis reúne 20 obras creadas después de que Tetsumi Kudo (1935 – 1990) migró de Japón a París en 1962. Jaulas, cubos y terrarios, un lienzo monumental realizado con un ordenador, dibujos y bocetos conceptuales provenientes de este período configuran la muestra. Kudo hace de sus escenas, aparentemente grotescas, pero también provocadoras, representaciones de la vida contemporánea e insinuaciones destinadas a animar a los espectadores a enfrentarse y dejar a un lado los límites del ego, los valores del consumismo, y quizás también les ofrece una posibilidad para entenderse a sí mismos. Para Kudo somos parte de un cosmos integrado e intrincado en el que naturaleza, tecnología y humanidad, influyen mutuamente en el gran sistema que soporta la vida y crea una Nueva Ecología.
¿Hasta cuándo? Julio 30 de 2021
Más información: House & Wirth
SCULPTURE CENTER: In Practice: You may go, but this will bring you back
In Practice: You may go, but this will bring you back, installation view, SculptureCenter, New York, 2021. Foto: Kyle Knodell
Carlos Agredano, Leslie Cuyjet, Kyrae Dawaun, Dominique Duroseau, Hugh Hayden, Sunny Leerasanthanah, Abigail Lucien, André Magaña, Catalina Ouyang, Chiffon Thomas, and Quay Quinn Wolf participan de esta exposición colectiva que investiga la noción de no resolución a través de la pérdida, el duelo y la mortalidad. Los artistas tratan el proceso como un ciclo metafísico de retorno, produciendo obras como detritus, residuos o ideas que deben ser revisadas. ¿Cómo podemos navegar por la noción interminable de proceso y procesión? ¿Cómo podríamos avanzar no hacia la resolución, sino hacia un estado constante y cómodamente irresuelto? ¿Y si no existe el cierre? Son algunas de las preguntas clave para acercarse a ella.
¿Hasta cuándo? Agosto 2 de 2021
Más información: Sculpture Center
WHITNEY MUSEUM: Julie Mehretu
Julie Mehretu, Hineni (E. 3:4), 2018. Centre Pompidou, Paris, Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle. © Julie Mehretu. Foto: Tom Powel Imaging
Desde hace más de dos décadas, Julie Mehretu (1970) se ha dedicado a explorar profundamente la pintura para jugar con los parámetros de la abstracción, la arquitectura, el paisaje y la escala. En esencia, el arte de Mehretu examina cómo la migración, el capitalismo y el cambio climático afectan las posibilidades de las poblaciones, pero también se extiende por la historia del arte y la civilización humana; desde las estelas babilónicas hasta los bocetos arquitectónicos, la pintura histórica europea o los símbolos de los movimientos de liberación africanos. Con una treintena de pinturas y cuarenta obras sobre papel fechadas desde 1996 hasta la actualidad, este estudio de mediana carrera presenta la visión más completa de su práctica hasta la fecha.
¿Hasta cuándo? Agosto 8 de 2021
Más información: Whitney Museum
BROOKLYN MUSEUM: KAWS: What Party
KAWS, Companion, Original Fake (2011). KAWS: WHAT PARTY. Brooklyn Museum. Foto: Ben Davis.
Si se encuentran en el Brooklyn Museum, también es posible visitar esta exhibición, que presenta más de cien obras del artista, entre las cuales se encuentran esculturas y pinturas de gran formato, objetos de colección, muebles e instalaciones monumentales de sus populares figuras Companion; cuadernos y graffitis pocas veces vistos, juguetes que funcionan como productos ácidos, más unas cuantas obras de realidad aumentada que permitirán a los visitantes interactuar virtualmente con ellas. La exposición es un gran espectáculo para sus innumerables seguidores, no una reflexión sobre la práctica de KAWS aka Brian Donnelly (1974), quien usa referencias cruzadas provenientes de ámbitos moldeados por la imagen y el consumo de la cultura popular del siglo XXI, donde es constante la expresión de emociones universales que convertidas en objetos nostálgicos coleccionables, que por supuesto, conectan inmediatamente con el espectador.
¿Hasta cuándo? Septiembre 5 de 2021
Más información: Brooklyn Museum
MOMA PS1: Niki de Saint Phalle: Structures for Life
Vista de la instalación de Niki de Saint Phalle: Structures for Life, MoMA PS1, New York, 2021. Foto: Kyle Knodell
Desde el inicio de su carrera en la década de 1950, Niki de Saint Phalle (1930-2002) desafió las convenciones artísticas, creando obras abiertamente feministas, performativas, colaborativas y monumentales. En su primera gran exposición en Estados Unidos, presenta más de 200 obras que hacen manifiesto su enfoque interdisciplinario y su compromiso extenso con los problemas sociales más urgentes: su capacidad de llevar la creación hacia varias disciplinas, el desarrollo de una arquitectura visionaria con entornos escultóricos utópicos, la política del espacio social, la relevancia de los derechos de la mujer, el cambio climático y su lucha por la desestigmatización del VIH/SIDA. Una exposición necesaria y emocionante.
¿Hasta cuándo? Septiembre 6 de 2021
Más información: MOMA PS1
THE DRAWING CENTER: Huguette Caland, Tête-à-Tête
Huguette Caland, Tendresse, 1975, 1985 (Mannequin); Private Collection. b. Foule, 1970, 1985 (Mannequin); Hammer Museum, Los Angeles. c. Miroir, 1974, 1985 (Mannequin); Hammer Museum, Los Angeles. Cortesía The Drawing Center
Pasamos ahora a uno de los espacios más Los dibujos en lápices de Huguette Caland (1931- 2019) desafían los tabúes asociados a la representación de la sexualidad femenina. En ellos una sola línea puede transmitir un gesto íntimo o una sensación entera, revelan partes del cuerpo entrelazadas, tiernas imágenes de amantes acariciándose, testimonios genitales. Esta exposición en el Drawing Center es probablemente la más completa e importante retrospectiva de la artista libanesa, reúne obras sobre papel y lienzo de las últimas cinco décadas de trabajo incansable y combativo -así como caftanes, maniquíes, esculturas y cuadernos-.
¿Hasta cuándo? Septiembre 19 de 2021
Más información: Drawing Center
MUSEO DEL BARRIO: ESTAMOS BIEN, La Trienal 20/21
ESTAMOS BIEN, La Triennal 20/21(2021). Museo del Barrio, New York. Cortesía Museo del Barrio
Estamos Bien está inspirada en las exposiciones históricas The (S) Files celebradas en El Museo del Barrio entre 1999 y 2013. Curada por Rodrigo Moura, Susanna V. Temkin y la artista con sede en Nueva York Elia Alba, la muestra plantea un enfoque interseccional de la identidad latina, incluyendo exponentes contemporáneos de la comunidad artística en New York y Puerto Rico. Su título, Estamos Bien, proviene de la obra de la artista Cándida Álvarez, antiguo miembro del equipo curatorial de El Museo en la década de 1970, y cuya pintura Estoy Bien, fue una respuesta de resistencia y sarcasmo frente a las consecuencias del huracán María en Puerto Rico. Ahora pluralizada en múltiples obras, la frase resuena con el momento actual, pues las obras de la exposición reflejan las desigualdades de las políticas públicas que afectan a las comunidades inmigrantes, el desplazamiento, el cambio climático y los efectos de la pandemia global para las poblaciones Latinx.
Escucha la playlist de la exposición, aquí
¿Hasta cuándo? Septiembre 26 de 2021
Más información: Museo del Barrio
JARDÍN BOTÁNICO DE NY: Yayoi Kusama: Cosmic Nature
Yayoi Kusama, Dancing Pumpkin (2020). Cosmic Nature en el Jardín Botánico de New York. Foto: Heather Sten
Después de tres años de preparación, el Jardín Botánico de New York presenta esta ambiciosa muestra de la artista Yayoi Kusama (1929). La exposición incluye varias obras monumentales, dos nuevas comisiones especialmente pensadas para el jardín, un par de ingeniosas reposiciones de sus estándares escultóricos adaptados al paisaje, y una pequeña retrospectiva de sus primeras pinturas y performances. Algunas obras sobresalen y su interacción con los espectadores es más interesante que otras. Pero en general, esta es una exhibición fantástica que muestra los conceptos de obliteración, infinito y eternidad, el compromiso íntimo con los colores y los patrones, y la fascinación de la artista por los ciclos de vida de plantas y flores de una de las artistas más importantes de nuestro tiempo.
¿Hasta cuándo? Octubre 31 de 2021
Más información: New York Botanical Garden
DIA CHELSEA: Lucy Raven
Lucy Raven, Ready Mix, 2021. Vista de la instalación Dia: Chelsea, New York. © Lucy Raven. Foto: Bill Jacobson Studio
Lucy Raven (1977) presenta dos esculturas de luz cinética que ocupan la totalidad de la antigua fábrica de corte de mármol Alcamo, en la West 22nd Street de Nueva York. Y en la galería adyacente, expone una película rodada durante dos años en una planta de hormigón de Bellevue, Idaho. Ambos proyectos exploran las propiedades de la velocidad, la presión y la materialidad (tanto geológica como sintética) en el contexto del oeste de Estados Unidos e incorporan imágenes en movimiento, fotografía, escultura y sonido para crear instalaciones inmersivas que abordan cuestiones como el trabajo, la tecnología y los mecanismos ocultos de poder.
¿Hasta cuándo? Enero de 2022
Más información: DIA:
